espejismos en el aire

Locura y verdad.

2010-03-12T15:48:00.002+01:00

La locura me aterra pero a la vez me atrae a conocer más sobre su naturaleza. El terror que siento por ella no viene del exterior, de las características propias del loco. Viene de mi interior, de lo cercana que la siento, de ver en el loco reflejados mis propios errores. Y es que nuestra percepción de las cosas es tan relativa e imperfecta.

Cuando observamos un objeto y nos detenemos en su color enseguida suponemos que es de color x. Pero si reflexionamos sobre esto nos damos cuenta que lo que en realidad estamos percibiendo son las ondas electromagnéticas que no son absorbidas por el objeto y, por tanto las refleja. ¿No sería más lógico percibir las ondas que el objeto absorbe y las hace propias? ¿Acaso no vivimos en un mundo imaginado por nuestro cerebro?

Y es que nuestro cerebro es una chapuza evolutiva. No deja de ser un “apaño” que nos permite vivir en este mundo. Y el loco da fe de ello mostrando estos errores llevados al extremo.

¿Quién no ha sentido alguna vez que se estaba volviendo loco, ya sea por amor, por pensamientos reincidentes, recuerdos que no cesan de resurgir, o por una búsqueda sin fin…? Que tire la primera piedra…

Y es que nuestros recuerdos ya de por sí forman parte de una locura. Cuando hacemos el esfuerzo de recordar algo hacemos lo mismo que si estuviéramos imaginando el futuro. Los recuerdos no son fieles a la realidad que percibimos en aquel instante-presente. Se transforman en el mismo momento en que el presente deja de ser presente, convirtiéndose en un pasado imaginado.

Es gracioso pensar que nuestro comportamiento es fruto de estos recuerdos imaginados, porque podemos decir que todos actuamos como locos que somos, una locura compartida y asimilada como verdad por la mayoría que se hacen llamar “seres conscientes y razonables”.

Programa de prevención de abusos sexuales dirigido a la infancia.

2010-03-10T12:51:00.003+01:00

He encontrado este programa dividido en cinco capítulos para ayudar a los niños a prevenir los abusos sexuales. Me han parecido muy buenos y que pueden servir de mucha ayuda a muchos padres y madres para explicar a su hij@ este tema tan complicado.

Symphony of Science

2010-03-04T09:36:00.007+01:00

Buscar

2010-03-03T16:24:00.003+01:00

Buscar, encontrar, unir, enredar,

buscar, encontrar, unir, enredar,

buscar, buscar, buscar...

Sin el engaño de las palabras, sin artificios,

con el más primitivo de los lenguajes.

Ese mismo que utilizan las flores y las abejas

y a nosotros se nos queda escondido

detrás de una maraña de palabras y signos.

En el más puro silencio

articulo significados a gritos.

Buscando a saber qué.

Tal vez a mí misma,

lo que fui, lo que pude haber sido,

lo que soy, lo que puedo ser,

lo que seré...

Louise Bourgeois

2010-02-17T16:23:00.002+01:00

“La creación artística me sirve para reexperimentar mis traumas, reconstruirlos y aceptarlos de un modo más objetivo.”

Pepe Espaliú

2010-02-17T16:20:00.001+01:00

“No es la enfermedad la que produce sufrimiento, sino el sentido dado por la colectividad supuestamente sana, y la imposición de normas que no atienden a las necesidades del individuo.”

“Algunos creen que el arte es una forma de entender el mundo. En mi caso, siempre fue la manera de no entenderlo…, de no oírlo. Comencé haciendo del arte una topera en la que sobrevivir en el subsuelo, manteniéndome ajeno y protegido de una realidad que siempre vi como insoportable. El arte ha sido mi gran coartada… Un estar fuera de algo que siempre me fue extraño, anclado en parámetros que nunca compartí.”

“El dolor es privado, el Sida es un problema público, las opiniones en torno al Sida se generan en el ámbito público, y es aquí donde pueden alterarse”.

Silencio

2010-02-17T15:58:00.004+01:00

Por otro lado, continué trabajando con las telas y las costuras introduciendo la serigrafía. Elegí la imagen de una enfermera pidiendo silencio con un gesto muy sensual y la estampé con un color fucsia sobre telas de sábanas de un color amarillento. Y probé de varias formas. Un cuadro acolchado con tres costuras-vaginas, otro sin acolchado y con los patrones de una muñeca y, finalmente y con el que me quedé más satisfecha, una almohada con los brazos y piernas del muñeco intentando salir de ella.

Instalación

2010-02-17T15:48:00.007+01:00

A la hora de desarrollar el trabajo me propuse mejorar ideas que habían quedado en el aire o inacabadas en el curso anterior. Escogí un cuadro en el que aparecía una escalera gigante saliendo del plano de una casa y comencé a hacer bocetos.

El resultado no me convencía demasiado hasta que decidí sacar fuera del cuadro uno de los elementos e hice algunos bocetos al respecto sacando la escalera.

Finalmente, decidí que el plano de la casa inicial se convertiría en una red de planos de casas laberínticos. Aquí me di cuenta de lo expresivos que podrían ser estos planos y sus elementos. Puertas abiertas de par en par o abiertas muy tímidamente, con recelo; habitaciones pequeñas y tímidas dentro de otras habitaciones más grandes y poderosas; habitaciones enfrentadas unas con otras sin dejar espacio entre ellas, etc. Esto podría dar para una futura serie.

Elegí unas planchas de hierro que oxidé para poder rallar las líneas de los planos. En un lugar con una leve iluminación estas líneas brillan en contraste con el mate del óxido.Mi intención es la de cubrir el suelo de toda la sala así que realicé un patrón que se adecuara a las planchas que había cortado en 1 x 1 m y me facilitara el montaje de las piezas.Por otro lado, y para colocarlas encima de las planchas de hierro, realicé unas jaulitas con alambre de hierro y listones de madera para albergar caracoles. El caracol me interesa por varias razones: por un lado su aspecto baboseante provocando una sensación repelente en muchas ocasiones. Por otro, su concha protectora, el caracol se introduce en su casa (idea de hogar) para protegerse pero esto a su vez lo hace vulnerable, su cuerpo es blando y frágil para poder introducirse en ella. Unos caracoles dentro de una jaula podrían salir de ella si no fuera por su concha, su idea de hogar. Pero también me interesa su sexualidad, su forma de aparearse, pueden ser machos o hembras según el acuerdo al que hayan llegado.Trabajar con caracoles me permite exponerlos durante un tiempo sin necesidad de darles de comer. Al igual que en su hábitat natural, cuando notan el ambiente seco se encierran dentro de su concha quedan aletargados a la espera de unas condiciones más favorables. Cuando termina la exposición sólo hay que humedecerlos y darles algo de comer.Me pareció interesante el dejar un par de caracoles libres y andando a sus anchas por los planos. Dejan su rastro húmedo atravesando los planos de un lado a otro.

Y las escaleras las realicé con la ayuda de un amigo (soldador profesional y en paro) con tubos de hierro también oxidado. La hice de forma que quedara suspendida en el aire sujeta solamente a la pared. En un principio esta pieza iba a formar parte del conjunto planos-jaulas pero posteriormente decidí que eran piezas distintas, cada una tenía su propia vida.

Arte y ciencia

2010-01-19T22:03:00.003+01:00

Después de un intenso debate en la facultad sobre el intento de explicar científicamente "qué es el Arte" he sentido la necesidad de reconfortarme de una manera "menos racional". Siento que en un mundo tan racional, mecánico y materialista necesitamos una parcela en nuestras vidas que nos recuerde que no somos capaces de saberlo ni, por lo tanto, de controlarlo todo.

Es más, me viene a la cabeza un documental del programa "Redes" en el que Gerd Gigerenzer, director del Centro para la Conducta Adaptativa y la Cognición del Instituto Max Plank nos habla sobre la importancia de las intuiciones y su efectividad a la hora de tomar decisiones, a veces mucho más efectiva que una decisión racional elaborando largas listas de los pros y los contras.

El motivo de ello es evolutivo, dice. El proceso de elección se basa en una serie de reglas generales que nuestro cerebro ha ido aprendiendo a lo largo de miles de años. Esas reglas forman parte de una especie de libro de instrucciones al que recurrimos ante cada situación y en el que hallamos respuestas rápidas y precisas.

Redes 4: La intuición no es irracional (24 min)

http://www.redesparalaciencia.com/62/redes/redes-4-la-intuicion-no-es-irracional

Por otro lado, acabo de leer algo que me ha reconfortado mucho después de un día de tensión. Se trata de un poema de María Novo que, además de ser Doctora en Filosofía y Ciencias de la Educación y directora de la Cátedra UNESCO de Educación Ambiental y Desarrollo Sostenible en la Universidad Nacional de Educación a Distancia de España, es escritora y artista plástica.

No es posible saber si la luz tiene nombre
si el sonido del sueño
se rige por la Luna
si podremos nombrar
el lugar que nos habla
o tal vez nos escucha
en todo caso está
sin más
y es un olor
que describe el aroma
de esta Tierra que amamos.

No podemos saber casi nada.
Tal vez sólo afirmar
que hoy es verano
arroparnos con tejido ligero
y dejarle un lugar a lo incierto.
Poco sabe el granado si es miércoles o jueves
pero su flor persigue vertical
los aromas del sol que lo alimenta
y su fruto contiene
resumida
toda la geometría de la historia.

Estar vivo es sencillo
es dejarse vivir
sin pretender
que huela a primavera en el otoño.
Reconocer, tal vez,
el pulso de los días y las noches
y dejar que nos digan
qué pasa por aquí,
por nuestro cuerpo.

Tenemos la mirada tan atenta al saber
que el azar nos atrapa y anega nuestro sueño
allí donde buscamos el nombre de las cosas
la tarea imposible de poseer respuestas.

En ese macrocosmos donde nada es sagrado
habita sin embargo toda el alma del mundo
parte de ella nosotros
imágenes de un cortísimo minuto
paseantes de la vida
que quisimos entenderla
y al fin nos conformamos con amarla.

Perseguir la certeza no vale en este juego.
Imposible nombrar lo que está en el principio.
Mejor entonces sonreír
desde este no saber.
Basta que huela a día
simplemente.
Razón de más
para sentir que somos.

María Novo.

"Diccionario de las artes" de Félix de Azúa. Editorial Anagrama. Barcelona, 2002.

2009-11-22T18:27:00.025+01:00

Reseña en construcción. Iré añadiendo términos con el tiempo (que pasa...).

ABSTRACTO

En esta entrada Félix de Azua nos cuenta anecdóticamente como tres artistas tan conocidos como, Kandisnky, Malevich y Mondrian tienen ese primer contacto o experiencia artística en el descubrimiento del significado de la abstracción.

Cuenta como Kandinsky no reconoce uno de sus cuadros por el mero hecho de que no estaba colocado de la manera correcta. Se dio cuenta de la dificultad que tenía para ver los colores en sí mismos, sin asociarlos a algún elemento de la realidad. Así, peleando contra su propia incapacidad, pretendió que su pintura llegara a la máxima abstracción, “dejando que el alma de los colores se revele”, sin que ningún ente reconocible se interpusiera en el camino.

El pintor ruso Malévich, por su parte, causó un enorme desconcierto entre sus contemporáneos con su pintura cuadrado blanco sobre fondo negro. Malévich consideraba un atraso que la pintura tuviera la pretensión de reflejar el mundo y las cosas, que era un peligro porque “el rostro de Dios quedaba escondido detrás de todas esas pinturas”. Su intención era dirigir el Arte hacia el suprematismo.

El pintor holandés Piet Mondrian, bajo la influencia de la teología calvinista basaba sus obras en una abstracción que buscaba la pureza del espíritu, sin el menor rasgo o huella del pintor y cuya finalidad es la de “reducir y controlar los colores puros hasta conducirlos a la inexpresividad, a la atonía, a la impotencia”.

Por último, Azúa comenta la triste historia de Mark Rothko, pintor de enormes cuadros de una profunda sobriedad destinados a la más intensa adoración cuasi religiosa, que se suicidó al ver cómo se convirtieron en unos elementos decorativos más en las salas de los más orondos accionistas millonarios.

ARTE

Félix de Azua comienza este apartado aclarando la diferencia existente entre el Arte y las artes.. El Arte es una invención filosófica que llega a asentarse en la época de las vanguardias. Wagner fue el primero en plantear este concepto. Para él la Obra de Arte era un resultado de la fusión de todas las artes. Es un modo de domesticar y tutelar la producción artística en un ataque contra la exterioridad y la pluralidad.

Lo que hoy llamamos “artes” eran oficios practicados por los artesanos (músicos, pintores, escultores, pescadores, etc.). En Grecia se llamaba “técne” y en Roma “ars” debido a que la separación entre técnicas y artes se produjo durante los dos últimos siglos.

El Arte es un concepto nivelador de todas las manifestaciones artísticas, concebidas como una unidad simple y provista de una historia en desarrollo. Unas veces nos lo presentan seccionado geográficamente (Arte Occidental, Arte Vasco, Arte Primitivo, etc.) y otras en capítulos temporales (Edad Media, Arte Moderno, Arte Phehistórico, etc.)

Azúa comenta que si se acepta este concepto de Arte, las artes carecen de toda significación. Compara el Arte con Dios pues actúa como un concepto global que organiza cada práctica singular convirtiéndose éstas en sólo un momento, un fragmento del significado global.

Si se niega la existencia de un solo Arte, las prácticas artísticas no se diferencian de actividades como conducir un camión. Los griegos lo veían así, pero claro, los griegos eran politeístas. Se puede entonces hablar de las técnicas empleadas por el arte, y del arte empleado por las técnicas porque sus operaciones tendrán una finalidad en sí mismas. Las artes se muestran en el presente producto de una necesidad sociohistórica y a los artistas-dioses (llamados “genios” por entonces”) no les queda más remedio que bajar de las nubes. Esta concepción de las artes es incompatible con el Arte, con la unificación de las prácticas artísticas bajo tutela filosófica. Estamos ante el “inacabable acabamiento del Arte”.

ARTESANIA

Azúa nos hace una comparación entre el arte concebido como artesanía de la época antigua y el arte moderno a partir del siglo XVIII.

La artesanía se concebía como una habilidad manual con carácter de utilidad. Era un arte manual donde los maestros incluso convivían con sus aprendices para enseñar esas habilidades o mejor dicho trucos que por supuesto se mantenía en secreto bajo pena de cárcel y bajo la tutela de la propiedad privada. El negocio del artesano se mantenía gracias a desempeñar sus trabajos con mayor habilidad y gracia que los demás. Sus obras pueden ser buenas, mediocres o malísimas.

En cambio en la era de la modernidad el arte consiste en la proyección espiritual de un genio y en la expresión de sus ideas, por lo que no hay aprendizaje posible y el artista trabaja en solitario. La idea prevalece sobre la habilidad por lo que es imposible juzgarlas al no ser que seas un experto en la materia por ello los críticos más notorios son filósofos profesionales.

ARTISTA

Influenciados por el romanticismo tendemos a caer en el error de pensar en el artista como alguien autónomo, independiente, libre y genial. Para aclarar o enredar más la idea de qué es un artista Azúa recurre a la fábula.

Sirviéndose de algunas memorias y libros editados por los judíos que sobrevivieron al holocausto nos cuenta como los almacenaban en los trenes para después llevarlos a los crematorios. En los vagones, elegían a una persona para alzarla hasta el respiradero y pudiera contar al resto qué veía del exterior. No todos reaccionaban igual ni contaban lo que veían de la misma forma. Los más preciados eran aquellos que referían con acierto la existencia de un mundo verdadero, libre de la tortura y del dolor pero con una cierta conexión con el mundo de los condenados. Eran elegidos por su habilidad para conectar dos mundos que se desconocían mutuamente para hacer verosímil el mundo de los vivos y, por tanto, convertir el de los condenados en un mundo ficticio. Se mantenía de ese modo la esperanza de que el horror tuviera un final.

BELLO

Hoy en día hay mucha gente que opina que la belleza es un elemento esencial en las artes. En culturas muy antiguas, como la azteca o la esquimal, la belleza era innecesaria porque sus producciones no eran obras de arte si no de relaciones públicas con la divinidad. En los antiguos como platón tampoco, porque para ellos lo bello pertenecía a las ideas, el espíritu, el intelecto, nada que ver con las groseras manualidades. Ni siquiera para la producción cristiana anterior al siglo XIV, la función de la cual residía en inspirar la piedad y la obediencia, pero no el deleite.

La necesidad de la presencia de lo bello en las obras de arte viene desde Kant con su crítica del Juicio. Defendía que sólo es bello el placer desinteresado, y no puede extenderse hasta el estremecimiento moral y la contemplación de nuestra finitud (sería sublime): lo bello ha de ser agradable y sereno y para experimentarlo es necesaria una educación de la sensibilidad.

Posteriormente, Hegel dijo que lo bello ya no era necesario en la obra de arte, que esa necesidad se dio en un momento histórico preciso, en Grecia. Ni antes ni después era necesaria esa relación. Sin lo bello en las artes había que justificar la presencia de éstas y se hizo mediante el patriotismo. Si las artes eran históricas pertenecían a los pueblos y éstos se expresaban por medio de un individuo particular. Así lo bello fue sustituido por una entidad amenazadora, el volkgeist, el espíritu del pueblo, la producción de símbolos nacionales.

CARICATURA

Considera que las mejores obras del siglo XX es caricaturesco. Para evitar la caricatura inevitable en cualquier representación figurativa muchos artistas han recurrido a la seriedad del arte formal y abstracto.

Las representaciones realistas y figurativas no deformadas por la caricatura, independientemente de su calidad técnica, suscitan la inquietante sensación de un anacronismo.

El primero en observar la importancia que iba a adquirir la caricatura en el arte occidental fue Baudelaire (mediados del siglo XIX). Escribió una serie de artículos en los que distinguía dos modos caricaturales de representar: lo “cómico absoluto”, lo grotesco, el modelo clásico de deformación y exageración moralizante que se encuentra en todas las culturas, primitivas o modernas, asiáticas o africanas. Y lo “cómico significativo”, propio de la caricatura moderna, con un carácter peculiar.

La caricatura es un fenómeno de la era moderna. Sólo se puede producir allí donde una muy amplia clientela es capaz de comprender , no ya las deformaciones o exageraciones del modelo, sino la negación, la crítica inmediata y sin matices, ínsita de la caricatura. Exige sociedades masivas y de alguna manera democráticas. Es un proceso que comienza durante las guerras de religión, alcanza su momento más puro en las campañas napoleónicas, y se expande universalmente a todas las prácticas artísticas durante nuestro siglo.

A esta difusión de la caricatura ha contribuido el hecho comprobado por la psicología (Ryan y Schwarz) de que es más fácil reconocer la caricatura de una mano que la fotografía de una mano-reflexionar sobre realidad-.

Un reciente estudio sobre las imágenes realizadas por ordenador ha llegado a la conclusión de que “es mucho más fácil emocionarse con los dibujos desproporcionados de humanos de “Los Increíbles”, por ejemplo, que con los casi realistas de The Polar Express”. Es más “cuando la imagen no es una cosa ni la otra (cerca de lo humano pero claramente sin serlo) causa una sensación de repugnancia”.

Artículo en el blog “Experientia Docet” : “Los macacos también caen en el valle inquietante”

Anécdotas:

Momento platónico: “Dentro de mil años a nadie ha de importar el aspecto de vuestras mercedes”.

Momento cartesiano: “Su retrato, señor marqués, se le asemeja mucho más de todo cuanto usted pueda llegar a asemejarse a sí mismo”.

Momento caricatural: “No te pongas así, mujer; ahora no te pareces mucho, pero ya te parecerás”.

El progresivo triunfo de la caricatura es el triunfo progresivo de una nueva “semejanza” cuya verdad no está ni en la Idea, ni en el sujeto representante, ni en el objeto representado. Está tan sólo en la propia y autónoma pintura. La caricatura siempre es más interesante que el caricaturizado. Así que el modelo debe hacer lo posible para parecerse a su caricatura (ídolos populares, políticos).

Badulaire destaca la sorpresa de que produzca risa o diversión cuando debiera producir miedo o compasión.

La caricatura nace de una balanceada dialéctica entre nuestra necesidad de sentirnos superiores y nuestra conciencia de ser inferiores.

No tiene espacio para significar en aquellas culturas en las que aún subsiste un ámbito de autoridad indiscutible (rey, dios, naturaleza). Cuanto más reducido es el ámbito del respeto, mayor es el espacio que se abre a la caricatura. Su espacio ideal es la sociedad democrática y masiva. Se refiere a respeto en el ámbito de aquello que no depende de nuestra voluntad, que no nos está sometido.

Hoy no se considera que quede ámbito alguno de respeto, creemos que todo cae bajo nuestra fuerza transformadora y nuestra voluntad de poder. Esto nos lleva a tal sentimiento de superioridad que no deja lugar a ningún respeto. Por ello toda representación ha de ser caricatural, si es verdadera. Y sólo se puede huir de ella por la vía formal, abstracta, geométrica o serial, es decir, no representacional.

La caricatura es el medio más adecuado para exponer la patética pretensión de omnipotencia que exhibe uno de los animales más desvalidos del cosmos.

CATÁLOGO

Para definir “catálogo” Félix recurre al prólogo que escribió para el catálogo de una exposición de Jana Sterbak en la Fundación Tápies de Barcelona. Este prólogo finalmente no se publicó y fue sustituido “muy sutilmente” por otro escrito de Félix, “Historia de un idiota”.

Kata y Logos en la antigua Grecia significaba “poner unos detrás de otros los nombres de algunas personas o cosas para facilitar su búsqueda”.

El catálogo actual no persigue facilitar su búsqueda, sino dejar constancia de que en algún momento se ha producido u acontecimiento “artístico”. Cumple la función del antiguo “monumentum”, la inscripción o la construcción que daba forma de relato al decurso histórico, organizándolo en capítulos, con el fin de que el caos del fluido temporal simulara tener un orden.

La demanda incesante de catálogos ha dado lugar a una notable industria, similar a los talleres funerarios de la Roma imperial.

Los visitantes de museos y exposiciones se reducirían si no pudieran comprobar la existencia de catálogos en grandes montones y a precios elevados.

El engaño del catálogo se da cuando sus fotografías son más interesantes que las obras al natural.

Ante una actividad artística cada vez más intelectualizada el público se ve necesitado de acudir al catálogo para poder comprender la obra.

Ante las representaciones figurativas (animales, plantas o humanos) todo el mundo puede decir algo pero necesitan el catálogo exactamente igual que las no figurativas ya que garantiza la historicidad del acontecimiento (que hemos estado allí), y no su comprensión.

Prolonga un mínimo la existencia de las obras (obras de carácter efímero) y garantiza que estamos ante una obra de arte.

COLOR

Los colores no son más que un espectro de nombres; cada cultura nombra sus colores de un modo distinto y nunca cinciden (los esquimales distinguen hasta doce calidades de “blanco”).

“Todos los sabios filósofos han observado los colores con una mirada desconfiada porque encarnan las leyes de la mutación, de la no-verdad, de la seducción, lo imprevisto del fenómeno contrariante y del destino efímero”.

La ciencia distingue cuatro modos de abordar el color: como pigmento, como luz, como sensación y como información. El color no está en las cosas, sino en la relación entre las cosas y nosotros. Es una sensación incomunicable, pero también es una información: “La función primigenia del color es la de significar conceptos para, unido a ellos, fundamentar el proceso de comunicación visual entre el individuo y el ambiente físico” (flor-insecto).

¿Esto podría corresponder a un lenguaje primigenio, natural e inmutable en el que se descodificaban los colores, formas, proporciones, teniendo estos un significado? ¿Los artistas podrían estar utilizando resquicios de este lenguaje (memoria genética)? A la hora de elegir un color u otro nos basamos en intuiciones, los niños y las tribus primitivas tienen mucha facilidad para realizar composiciones cromáticas que para nosotros “funcionan”. ¿Podrían estos tener más asequible este lenguaje al no haber aprendido todavía a leer? Nuestro cerebro “cambia” cuando aprendemos a leer. Ver artículo

De cómo cambia el cerebro cuando aprendemos a leer

Es una señal que nos permite ordenar el entorno en el que debemos sobrevivir.

La pintura inventa el color del mundo para nosotros, nos libera del sometimiento al color con que nos encontramos al nacer.

No hay colores: hay vicisitudes de los colores pues cada uno de ellos tiene su propia biografía.

Están cargados cargados de significados secretos porque no están en la naturaleza, como el oxígeno, sino en el puente tendido entre nuestro intelecto y el mundo. Es una herramienta de producción de significado, como el habla.

A partir de la invención y desarrollo de los colorantes químicos la catalogación de los colores industriales se convirtió en una tortura (verde Kodak, verde Fuji, verde AGFA).

Su utilización particular en la televisión según sensibilidades de la masa (franceses con publicidad azul por su bandera donde predomina el azul).

Vestir como lo hacemos los hombres modernos, sin usar apenas el color, es un resultado del puritanismo de las sociedades tecnocráticas, empeñadas en dar un toque de severidad a todo cuanto controlan. Es un efecto típico de las sociedades autoritarias. Los defensores del color eran los defensores de la pasión, frente a los defensores de la línea, que eran los defensores de la idea, de la concepción intelectual. Así la mayor parte del arte actual, cada vez más intelectualizado, ha prescindido del color (conceptuales, minimalistas, posdadaístas).

“Un pintor sin su propia y original leyenda cromática, sin un color significador del mundo, un color capaz de hacer mundo, carece de todo interés. No existe.”

CRÍTICO

Antes de nada, Félix recalca la diferencia entre sabio, profesor y crítico.

Sabio es aquel que trata de conocer la razón de ser y el fundamento de las cosas en general y del mismo ser en particular. En el terreno del arte busca, por ejemplo, cuáles son las causas profundas de una actividad humana tan distinta de todas las demás. Y quiere averiguar si de verdad es tan distinta. Para él los productos artísticos son palabras de una narración que comienza en las cavernas.

El profesor habita en la universidad y tiene un campo de conocimientos muy discreto pero macizo. Si se le empuja fuera del campo específico de sus conocimientos, muestra un atroz desconcierto. Las obras de arte son para él “la leña con la que se enciende su estufa para no morir de frío en las largas noches de invierno.

Y el crítico no sabe absolutamente nada, pero está informado. Es un experto en actualidades. Si una obra de arte le parece actual dice que es buena; si le parece inactual dice que es mala. Con ello consigue alabar tan sólo aquello que carecerá de interés al cabo de un par de meses. Casi todo lo denigrado y olvidado por la crítica tiene posibilidades de permanecer.

Baudelaire se percató de que la crítica era la verdadera constructora del puro presente y que, por lo tanto, el crítico habitaba en la más completa instantaneidad o vacío. Es uno de los pilares del periodismo y el sustentador de la nada cotidiana. Es una criatura del nihilismo.

Después de la segunda guerra mundial, los críticos estadounidenses se convirtieron en “el control de calidad” de los marchantes. En los años 50’, los críticos seleccionaban los cuarenta principales de la pintura y justificaban su selección con artículos bien escritos y cultos. Desde la sombra, asumían la responsabilidad de los precios, pero no participaban directamente de los beneficios. Y la gente compraba lo que los críticos dictaban.

En los años 60’ y 70’, “a los formalistas les nacieron los minimalistas, los conceptuales, los neo-dada, los instaladores en general y otros movimientos no sólo enemigos del mercado sino contrarios a la concepción de la obra de arte como objeto de venta. Los artistas lucharon contra prácticamente todo menos contra la crítica y el periodismo.

En los años 80’, la abundancia dineraria había transfigurado a aquellos críticos de la noche a la mañana se convirtieron en directores de galerías y museos. Vender pintura ya no era pecado, de manera que los críticos podían volver a ejercer su control de calidad, pero habían ganado tanto poder en los últimos años como para exigir el ejercicio de ese control cobrando un porcentaje de las ventas y tomando para sí todo el protagonismo mediático. Organizaron exposiciones en los museos y en las galerías, encargaron miles de catálogos, organizaron exposiciones para los ayuntamientos y diputaciones, municipios, firmas de bolsos, etc.

El derrumbe financiero de los años 90’ no ha concluido todavía pero se puede decir que los críticos y periodistas mejor colocados “han pasado a dirigir grandes consorcios financieros y todos los demás son ahora funcionarios del Estado a quien aconsejan en materia cultural y artística”.

CUADRO

Solemos identificar la pintura con el arte de pintar cuadros, pero los cuadros de caballete son sólo una parte de la pintura. Azúa nos explica que este error es ocasionado por el concepto de museo, donde se expone únicamente los cuadros que se pueden colgar en la pared con lo que no abarca todo el ámbito del proceso pictórico.

El concepto de cuadro se aplica a partir del siglo XIV. Antes se pintaba, como en la época bizantina, en los muros de los templos o en estampa. Es decir, que la pintura estaba al servicio de la arquitectura o de los libros. La pintura se mantuvo unida al lugar pero a partir del siglo XIV- XV pasó a ser un objeto transportable. La tela para el soporte supuso la fácil mercantilización de la obra por lo que obtuvo su propio carácter de autonomía. Del retablo se pasó a la pintura de caballete. Se libró del soporte arquitectónico para acceder a la autonomía de cuadro.

Posteriormente, en un salto suicida, abandonó el cierre del cuadro y en una inversión de las jerarquías pasó a dominar y determinar el espacio arquitectónico y a construirlo según sus propias leyes, ajenas a toda imitación de objetos, o representación mimética. Este proceso fue iniciado por los fundadores de la abstracción pictórica y se consolidó tras la aportación de los constructivistas rusos y la Bauhaus de 1920-1930. Movimientos ya explícita y conscientemente dirigidos a la destrucción de la pintura, la cual debía pasar a dominar los programas de producción industrial para masas, olvidando su pasado “romántico”.

ESCULTURA

Nos explica Azúa que le escultura es un arte anterior a la pintura, al mismo tiempo más simple y más difícil que la pintura. La escultura permite a todo el mundo comprender de inmediato lo esculpido, sin embargo, la pintura requiere de cierta educación visual para aceptar la bidimensionalidad, la trampa de la pintura.

Los escultores modernos han tratado de escapar a la mímesis inmediata de la escultura, produciendo piezas “que no imitan nada”, y, sin percatarse, se han puesto a competir con la pintura hasta llegar a un punto en que se han convertido en híbrido que no consuela a nadie.

El escultor no es tan dueño del resultado de su trabajo como el pintor a causa de carecer de un punto de vista único. Pero los escultores modernos han tratado de imponer su punto de vista como los pintores provocando el despecho del espectador que se siente limitado.

La escultura fue autónoma en sus comienzos, luego siempre se ha sujetado a la arquitectura como cariátide, friso o santo de hornacina. Después la escultura se independiza pero pasa a depender totalmente de la administración pública y de los grandes espacios por ella controlados, o bien, de los organismos financieros con una potencia espacial equivalente a la del Estado.

Según Baudelaire podemos decir que el escultor moderno ha renegado da la imitación, trata de imponer un punto de vista personal y subjetivo, y trabaja para un espacio doméstico.

Y el resultado, según Azúa, es el aburrimiento y tarde o temprano la escultura regresará a su espacio que es la arquitectura, sin que tenga que reposar sobre ningún programa escultórico, reinventándose como lo hicieron los Minimal, que incorporaron la galería de arte como elemento estructural de la escultura misma. Después escaparon de la galería y “saltaron al monte” (Land Art, Earth Art), o se volvieron ellos mismos escultura (Body Art).

ESPECTÁCULO

Según Félix de Azua, Guy Debord introdujo hacia 1967 el concepto de “sociedad del espectáculo”, dirigiéndose a las obras artísticas de las naciones postindustriales como obras de muy baja calidad basadas sólo en el entretenimiento y la diversión. Esta especie de crítica intenta dar a conocer la más profunda irresponsabilidad por parte de los promotores del mercado que, sin más, no ponen una limitación entre lo que se presenta como verdadero y lo que se presenta como falso. Todo lo que la sociedad del espectáculo presenta es verdadero, bueno y necesario por el mero hecho de haberlo presentado.

Comenta que todos aquellos que intentan cambiar lo que se presenta son eliminados de los medios de formación de masas (los Media) y si insisten, son eliminados físicamente.

Lo que Debord denomina “lo espectacular integrado” es un circuito cerrado y obsesivo de informaciones ocultadoras, falsas o deformadoras como algo verdadero.

Por lo que en el campo de las artes todo cuanto se presenta como obra es indiscutiblemente una obra artística promovida por el mismo campo mediático. Trata ese modelo administrativo como mafias de compraventa del arte donde ellos mismos le atribuyen el valor “económico” a la obra. Por otra parte los propios artistas caen en estas redes de corrupción artística, únicamente por pura conveniencia. Lo que se vende como arte “actual” no es si no la falsificación del arte convertida en verdad por ausencia de arte verdadero.

FIGURATIVO

Representación compuesta para la vista, en la que aparecen seres orgánicos e inorgánicos cuyos nombres se encuentran en los diccionarios.

Lo no figurativo puede ejecutar obras de gran racionalidad como las realizadas con formas geométricas así como también vemos obras totalmente irracionales que se alejan del intelecto (Pollock y Kandinsky).

Por lo común, el hecho de que la pintura figurativa se relacione con lo racional y la no figurativa con lo irracional hace que mucha gente identifique lo no figurativo con los instintos, pulsiones o pasiones en general, y la figurativa con la inteligencia y superior a la no figurativa. Es cierto que la intensidad intelectual puesta en obras de Rembrandt o Goya es inmediatamente perceptible si se la compara con Rothko, en cuyas obras es voluntariamente imperceptible y da la impresión de que el artista avanza a brochazos inconscientes. Aquí el discurso de la razón se encuentra fuera de la representación, como en manifiestos, panfletos, documentos históricos, etc.

En general la gente piensa que la intensidad física y emocional se da en los artistas no figurativos y la frialdad e intelectualidad en los artistas figurativos.

Ante este comentario Azúa nos muestra una visión totalmente contraria. En las personas “cultivadas” ,según dice, los artistas que no pueden controlar o representar las pulsiones, emociones, pasiones o como quiera llamarse en una figura, es decir, que es incapaz de darle forma a esos impulsos es un mal pintor, carece de valor artístico. Lo mismo ocurre en la figurativa si no se da una pasión corporal. Por lo que toda obra verdadera tiene que tener un trabajo corporal y emocional. La razón y el intelecto es solo el punto de partida, un soporte en el que apoyarse.

FORMA

Para explicar lo que entendemos por “forma” Azúa desglosa paso por paso esta palabra basándose en el origen y utilización de la misma en otras lenguas.

Pone en cuestión un comentario que hizo David Sargent hacia algunas obras de Van Gogh que dijo “son las únicas en las que reconozco la verdadera forma del color amarillo”. Un color no puede tener forma sin un contenido por lo que el amarillo no tiene más que de contenido el propio amarillo, es decir, su matización. Entonces lo que realmente reconocía Sargent era el contenido. Todo aquello que en lo que reconocemos una forma nos encierra en la visión de un contenido. Y si alguien concibe un contenido, está dándole una forma.

El gran malentendido del significado de la palabra forma, nos cuenta Azua, es básicamente por un error de traducciones. Nuestro lenguaje filosófico es en parte una traducción del griego y en parte del alemán. En griego, se entiende la forma como lo permanente, lo invisible e intangible de las cosas, el eidos, la “idea” (“la formación del espíritu nacional”). En alemán la forma es lo evidente y externo, aunque igualmente permanente. Obedece a normas repetidas, reconocibles externas y aceptadas por todo el mundo.

GALERIA DE ARTE

Azúa en este apartado nos intenta aclarar el error al decir que en la galería de arte “se producen” las obras de arte. En francés se utiliza la expresión “se produire” pero en este caso significa más bien “se presenta”. En español esto no pasa y caemos en un problema un tanto desconcertante.

Su origen viene de cuando antiguamente las obras de arte se producían en los talleres y estudios pero ahora ya en la época moderna eso ha dejado de realizarse. Ahora una obra de arte se considera una obra artística cuando “aparece” en una galería.

Para esclarecer esto pone un ejemplo de un artista que expuso en una galería de Barcelona. Se trataba de una obra en la que aparecían platos sucios sobre un asiento de paja. Los de la limpieza repetidas veces y sin saber que realmente era una obra de arte lo tiraban a la basura. Al final no quedaba nada del original pero aun así era exactamente igual. Entonces el espacio, el lugar y la luz eran los que dotaban de valor a la obra artística.

Podríamos decir que muchas de las obras de la era moderna son consideradas artísticas simplemente por el hecho de estar en las galerías de arte. He incluso cuando se termina la exposición estas obras dejan de serlo. El lugar, la especialidad donde puede aparecer la obra es determinante para considerarla artística, porque toda relación estética precisa de un lugar.

HISTORIA

Aquí Azúa comenta que a medida que el arte se fue haciendo más privado, perdiendo su sentido comunitario, artesanal e incluso su propio significado, es cada vez más necesario intentar acreditar o justificar el sentido de esta práctica social y sus usos.

Mientras la finalidad del arte fue la piedad, el recuerdo, la autoridad, el ornato, y cosas similares, no tuvo necesidad de intérpretes. Pero cuando la obra de arte comenzó a ser una idea, un concepto, una composición, un pensamiento subjetivo, un signo del genio, etc., fue imprescindible encontrarle nuevas justificaciones y un cuerpo de especialistas que las garantizara.

Petrarca fue el primero en decir que la obra de arte necesitaba de justificación y que lo hacia como “documentos históricos” y eso era lo que determinaba el valor de la obra.

Posteriormente Winckelmann y Hegel fueron los últimos en apoyar esta idea de que la obra de arte en la era moderna da testimonio histórico de la sociedad de su tiempo.

Es curioso que las artes nacieran justamente para lo contrario, para ser eternas, ahistóricas, no de lo que fue si no de lo que nunca ha sido pero en cualquier momento puede ser.

INSPIRACION

Comienza explicando la creencia de que cuando alguien está inspirado es porque ha alcanzado cierto grado de hablidad poco habitual o sorprendente. Esta creencia viene de las antiguas divinidades llamadas Musas que posteriormente los cristianos transforman en las diferentes vírgenes que protegen a toreros, montañas, ríos, etc.

Según esta concepción la inspiración viene de fuera por lo que en el arte, el artista es solamente el encargado de producir la obra, el que realiza el proceso técnico, no es el creador, la obra aparece por la habilidad de un técnico inspirado.

Esta es la parte mística del concepto de inspiración, por otro lado lo de fuera se puede entender como la exterioridad de donde se origina la inspiración, es lo constituido como existente, no es referencia a la Musas. La inspiración, en resumidas cuentas, nos muestra lo existente, hace que reconozcamos las cosas previamente existentes.

Las Musas o la inspiración forman parte de las artes pero también de las denominadas técnicas, las cuales difieren en su finalidad. Ambas tienen en común la de mostrar, en forma de trabajo o labor, cosas del mundo que antes era, de algún modo, ignoradas.

La inspiración esta guiada por lo externo, donde el ser humano a través de unas habilidades y técnicas muy precisas le dan forma, muestran su diversidad y presencia.

Las Musas inspiran la memoria del presente porque hacen aparecer en cada momento el presente.

El presente es múltiple, está en constante transformación por eso de que muchas veces lo transformemos en pasado.

Entonces las Musas inspiran nuestra habilidad para realizar obras que han permanecido ocultas en el exterior, en el mundo. Las Musas son un momento de inspiración que muestra las cosas ocultas del mundo en el presente. Por lo que las musas son múltiples y en continua transformación como las artes y las técnicas. Por eso no se puede tratar como un solo Arte.

Las Musas son múltiples como las artes y las técnicas porque múltiple es el mundo que se manifiesta en el presente en continua transformación.

Este advenimiento incesante del presente a veces da la sensación de paralizarse pero el hecho mismo de negarlo y mostrarse de esta manera hace que exploten nuevas visiones.

Así podemos decir que el fin del arte ha llegado porque exactamente se esta abriendo, quizás, un nuevo cauce de inspiración aterradora en el devenir incesante del presente.

El arte y las técnicas son labores constantes como el presente por eso no puede haber un Arte que asuma su totalidad. La esencia de las artes y las técnicas es su propia apertura al mundo.

La aceptación de la muerte del Arte es solo una apertura hacia una nueva explosión.

LECTURA

Según Azúa la lectura es un arte auditivo y para apoyar esto hace un breve recorrido por la historia.

“El ojo no ve imágenes sino signos que remiten a la voz humana para ayudar a la memoria en su interpretación.” En la antigüedad, los textos nos suenan a la voz de los muertos, su herencia y sus circunstancias. En cambio los textos modernos suenan la voz de un locutor (de la actualidad). La voz que suena del escrito no es del pasado, en ambos casos, pertenece a un presente cambiante. Esa voz reaparece continuamente cada vez que uno lo lee en el presente aunque este hablando del pasado. En cada escrito la voz cambia y nos puede remitir cosas nuevas, distintas e incluso contradictorias.

La importancia de la vista y del oído han ido cambiando a lo largo de la historia. En la época medieval el sordo era más desdichado que el ciego pues era un momento en el que se mantenía una férrea relación con los dioses. Así los ciegos podían escuchar la voz de Dios lo que los sordos no y se les trataba como bestias.. Y es que las lecturas se hacían en común, en voz alta. Esta era la practica habitual entonces, hasta la invención de la lectura personal y muda en la Revolución Francesa. Entonces fueron los ciegos los excluidos y desdichados hasta que se inventó el braile.

Una incógnita que viene a la cabeza al divagar sobre la lectura es qué imágenes evoca en cada uno la palabra. La conclusión es que “cada palabra vale por lo menos mil imágenes”.

La crisis de fondo está en la educación

2009-11-22T16:52:00.006+01:00

Copio aquí un artículo del blog de Eduard Punset en relación con la educación y las emociones. Subrayo lo que me parece más importante.

La crisis de fondo está en la educación

Autor: Eduard Punset 22 noviembre 2009
Hay una gran mayoría de científicos convencida de que la próxima revolución, la que cambiará nuestras vidas hasta límites irreconocibles, será la fusión de la biología y la tecnología, que ya ha empezado. Esta revolución avanza a pasos agigantados, pero yo estoy convencido de dos cosas: de que no será la más importante y de que le va a ganar la partida otro tipo de transformación que se expresará, a la vez, más profunda y lentamente.
¿Por qué digo eso? Les pido a mis lectores que cierren los ojos un instante e imaginen la actividad que peor funciona de todas las prestaciones universalizadas: la justicia, la seguridad ciudadana, la enseñanza, la sanidad, el ocio, el transporte o la asistencia social a ancianos y necesitados. Otros y yo hemos hecho esta prueba en contextos sociales muy diversos. Pues bien, por ello puedo anticiparles el resultado de su experimento. Son muy pocos los que aludirán a la educación o la enseñanza como a la actividad que atraviesa la crisis más grave.

Y, sin embargo, es, a mucha distancia de las demás, la que menos está respondiendo a las exigencias de las sociedades modernas. Tenemos un sistema educativo instalado en la Prehistoria. Intuimos ahora que la reforma educativa de los próximos 50 años a nivel mundial se caracterizará por una reforma radical de la profesión de maestro. Lejos de ser una profesión liviana, la de maestro será una carrera con un contenido más profesional y complejo que cualquier otra.
Lo que está aflorando del análisis en curso es que el objeto de la reforma no es tanto alterar la complejidad de las clases globalizadas, ni la propia sociedad, como la categoría de los maestros, que verán sus objetivos transformados. El objetivo no será cambiar las clases, que, a veces, fruto del proceso de globalización, parecen una reunión de 30 jóvenes con problemas mentales gritando a sus maestros. Tampoco podemos cambiar de la noche a la mañana las asociaciones de padres, que parecen compaginar un desinterés inaudito por la educación de sus hijos con una cierta agresividad contra el profesorado.
¿Cuál será, pues, a partir de pasado mañana, la misión de los sistemas educativos en el futuro? ¿Formar especialistas? No. La reforma de la enseñanza se propondrá dimensionar ciudadanos en un mundo globalizado. ¿Pertrechar las mentes de sus estudiantes? No. Los esfuerzos venideros en materia educativa apuntarán a reformar los corazones de la infancia y la juventud, olvidados por la obsesión exclusiva en los contenidos académicos.
¿Cómo se consigue alcanzar esta misión? Cumpliendo estos dos objetivos. Uno: aprender a gestionar la diversidad de las aulas modernas, a las que ha cambiado profundamente su cariz la globalización. Se trata de fomentar la inteligencia social y no sólo la individual, hacer que sirva para concatenar cerebros dispares y distintos, tomando buena nota de sus diferencias étnicas, culturales y sociales.
Simultáneamente –y éste es el otro objetivo–, resultará imprescindible que los maestros fomenten el aprendizaje de las emociones positivas y negativas, que son comunes a todos los individuos y previas a los contenidos académicos destilados a la infancia; es decir, aprender a gestionar lo que nos es común a todos. Se trata de enseñar a los jóvenes a gestionar la rabia, la pena, la agresividad, la sorpresa, la felicidad, la envidia, el desprecio, la ansiedad, el asco o la sorpresa.
Al profundizar en el sistema de enseñanza del futuro, estamos constatando que, lejos de ser la profesión de maestro una de las más livianas, es ya, sin lugar a dudas, las más compleja y sofisticada de todas ellas. ¿Cómo ha podido la sociedad, los propios educandos y las instituciones hacer gala de tanta ceguera?

Resentimiento y perdón

2009-11-20T12:11:00.014+01:00

Este es el título de un artículo que acabo de leer en el blog "Neurociencia-neurocultura"(hay un enlace en "Blogs recomendados" a la derecha). Habla sobre cómo nos afecta las ofensas de los demás (se incluye el abuso sexual) y nos incrusta en "un bucle sin fin donde emergen contenidos diversos de hostilidad, angustia y culpa que aparecen desgajados del tiempo, de forma extemporánea". Nos explica la necesidad de "perdonar" para poder salir de este bucle y así poder ser libres y seguir viviendo.Copio aquí el artículo de Francisco Traver Torras subrayando las cosas que me parecen más interesantes.

Resentimiento y perdón
Noviembre 16, 2009 at 7:23 pm (conciencia, lenguaje, mente, psicoanalisis, psicologia, psiquiatría) (cerebro, cognitivismo, neurociencias, trauma)
Perdonanos nuestras deudas, asi como nosotros perdonamos a nuestros deudores.
(Padre nuestro)
Si buscamos la entrada “perdón” en cualquier diccionario leeremos que es la acción del verbo “perdonar”, una palabra compuesta de un prefijo “per” y un verbo, “donar”.
“Per” significa, pasar, cruzar o saltar adelante, mientras que “donar” tiene que ver con regalar, dar u obsequiar. Perdonar equivale pues a condonar, suspender una deuda, el cese o caducidad de una falta, la amortización de una ofensa o falla recibida.
Perdonar es pasar página.
La mayor parte de las personas creen que perdonar es un tarea heorica más propia de santos o de personas bondadosas en extremo, algo que hacemos desde nuestra tolerancia cuando en realidad sucede desde la conciencia y desde la voluntad. Perdonar es como dice el diccionario un verbo, es decir una acción, algo que está permanentemente en tránsito y movimiento. Perdonar es un lugar, un topos, un lugar que ocupamos o que abandonamos y que se ocupa o desocupa en función de una ofensa que se recibió y se manifiesta por el rencor, el resentimiento o el odio y cuando se hace conducta: con la venganza.
Perdonar, es pues, abandonar un lugar de resentimiento o rencor.
De manera que vamos primero a ocuparnos de esta primera polaridad que surge con la aparición de dos opuestos, el primero de ellos es la diada resentimiento-perdón.
Lo cierto es que el papel de víctima es mucho más asumible que el papel de verdugo, la razón es que las víctimas acaparan atenciones, simpatías, ayudas y prebendas sociales mientras que los perpretadores de faltas solo acaparan antipatía y maledicencias. Si a eso unimos que el balance entre perdón y culpa siempre opera favoreciendo nuestros recuentos personales entenderemos que el resentimiento suela estar fuera y el autoperdón dentro cuando se mantienen inmóviles o petrificados.
La razón por la que somos tan indulgentes con nosotros mismos es de orden narcisista, es evidente que uno de los polos por donde transitan las cargas de las ofensas va cuesta abajo: es más fácil darle la culpa a algo externo que a algo interno y somos más eficaces a la hora de atribuir culpas a los demás que a nosotros mismos. Vale la pena recordar este principio general para entender que el camino del perdón -uno de los más eficaces remedios contra el resentimiento- no es tarea fácil pues requiere navegar contra la corriente narcisista que presupone que siempre somos inocentes.
Cuando la ofensa -real o imaginada- ha sido grave aparece un quiste que resulta indigerible y se mantiene disociado del resto de la conciencia con el resultado de que el resentimiento y la capacidad de perdón escapan de sus railes y no pueden establecer contacto entre sí, anulando su capacidad de neutralización y equilibrio, esta compartimentalización es típica de los eventos traumáticos y tiene como resultado un bucle sin fin, donde emergen contenidos diversos de hostilidad, angustia y culpa que aparecen desgajados del tiempo, de forma extemporánea.
Aunque en realidad el resentimiento y el perdón son la misma cosa cuando son funcionales y en función del lugar que ocupen se vivencian fuera o dentro, observen a estas hormigas circulando por una cinta de Moebius:

A partir de ahora la vamos a bautizar, le pondremos de nombre perdón (P).
Observen a P como transita continuamente -de forma infinita-en esa cinta de Moebius que no es más que una cinta de dos dimensiones sometida a torsión. Cuando una superficie de ese estilo sufre una torsión suceden cosas sorprendentes: la cinta gana una nueva dimensión y se convierte en una especie de carretera eterna y P patrulla ahora por dentro, ahora por fuera, ahora por la izquierda y ahora por la derecha, ahora arriba, ahora boca abajo.
Traducido a terminos psicológicos la carrera de P es perfecta para entender como circulan tanto el resentimiento y el perdón por fuera (resentimiento hacia algo) como por dentro (autorencor o culpa).
Lo interesante es que el resentimiento externo coincide con el perdón interno mientras que el perdón externo coincide con el resentimiento interno (culpa), de manera que siguiendo estas coordenadas de la hormiga pareciera que estamos condenados o bien a sentirnos culpables o bien a estar permanentemente resentidos por las ofensas que hemos recibido de otros.
Bueno, eso es lo que sucede en la realidad, hasta en aquellos que han sido victimas de abusos sexuales podemos observar como se sienten -paradójicamente- culpables y alternan estados de autocensura con otros de franca hostilidad. Lo traumático se caracteriza precisamente por esta oscilación entre culpa-hostilidad. No hay más que ver a nuestras hormigas para entender la razón: recorren siempre el mismo camino.
¿Como salimos de este atolladero?
El perdón sin embargo tiene otro polo, uno interno, el autoperdón y otro externo el heteroperdón, el perdonar a otro.
Y sin embargo se produce entre estos dos polos una curiosa tensión que podria resumirse así:
Sin perdonar las ofensas recibidas (reales o imaginarias) no hay posibilidad de escapar del resentimiento.
Y
Es imposible y más difícil perdonar a nadie sin haberse perdonado a uno mismo o dicho de otra manera: el perdón y el autoperdón emergen simultáneamente.
Lo curioso de este bucle diabólico es que el flujo narcicista empuja la corriente hacia la autoindulgencia y la culpabilización de los otros, todo pareciera estar diseñado por la evolución de nuestro cerebro para “echar balones afuera” y librarnos asi de las responsabilidades de nuestras propias culpas. De lo que se trata es de eludir la responsabilidad.
Aun más curioso es caer en la cuenta de que sin haber elaborado las culpas personales no podemos perdonarnos a nosotros mismos y es cierto que en muchas ocasiones parece objetivamente que el culpable sea el otro, sin embargo en todos los casos -aún en aquellos casos donde pueda evidenciarse una total culpabilidad de alguien externo- no hay más remedio que reconciliarse con él si queremos ser libres y seguir viviendo. Una tarea que parece en principio sobrehumana y más propia de santos que de personas corrientes, esta es la razón por la que en psicoterapia se habla tan poco del perdón cuando en realidad es uno de los instrumentos terapéuticos más potentes de curación y cambio.
Pero no es sobrehumana porque todos nosotros disponemos de una conciencia recursiva: un repliegue, una elevación que nos permite ver a P de esta manera:

Es curioso que despues de haber realizado un giro de 90 º aparezca tan claro a nuestros ojos que el eje horizontal se ha transformado en un eje vertical donde hay un arriba y un abajo, y lo que está arriba en este caso- metáfora de la frontalización de los conflictos- es el perdón que antes nos parecía que se encontraba en un mismo eje, en el mismo plano que el resentimiento.
Para poder poner la cinta de Moebius en pie es necesario romper el bucle por el eslabón mas débil: autoperdonarse.
Cuando nos perdonamos a nostros mismos suceden cosas sorprendentes, la cinta de Moebius sufre una transformación, ha habido un cambio de nivel o de definición, un salto y adoptamos entonces aquel “per” que aparecía en el verbo perdonar. Nos hemos situado por afuera del bucle, en ese lugar sobreelevado que llamamos conciencia y que nos permite observarnos a nosotros mismos con un cierto desapego y distanciamiento, hemos logrado romper la compartimentalización.
Es entonces cuando por arte de magía contemplamos la escena completa y somos capaces de perdonar, no porque nos hayamos convertido en santos sino porque los hechos han perdido la carga emocional que acumulaban.
Y entonces el resentimiento desaparece.
Pero no la memoria de lo acaecido, es bueno recordar ahora que existe cierta diferencia entre el olvido y el perdón. El olvido es un pseudoperdón, un perdón por falta de compromiso. El perdón verdadero sin embargo permite conservar la memoria del daño sólo que ya no nos duele y nos ha permitido aprender algo sobre el dolor.
Que nosotros también somos capaces de inflingirlo.
Y que lo hemos hecho muchas veces, casi sin saber.
Y que no existe nadie inocente, solo personas que saben pero sin saber, algo que tiene que ver con el concepto de “observador escondido” (Hilgard 1986) y cuya teorización puede el lector leer aqui gracias a la colaboración de Francisco Orengo.

Mi mejor cuadro a fecha de hoy

2009-11-08T18:24:00.007+01:00

Para la asignatura de Idea y concepto II nos han pedido que elijamos el mejor cuadro que hemos pintado hasta el día de hoy.

Pues bien, este cuadro lo realicé el curso anterior tras una dura lucha interior entre lo que quería y lo que no quería decir. Cuando tuve que elegir el tema para mis proyectos personales me encontré en una situación complicada.

Siempre había encontrado un refugio en las manualidades. En un principio ayudaba a evadirme, después descubrí que me ayudaba a entender la realidad que me rodeaba. El dibujar una figura me llevaba a hacerme muchísimas preguntas sobre ella; su volumen, su textura, cómo cambia su aspecto con la iluminación, los diferentes matices que adopta un mismo color, el espacio que ocupa dentro de la habitación, etc. La idea que tenía de la figura iba cambiando conforme iba dibujando, entendía más su propia realidad.

No entendía de Arte, ni siquiera me apasionaban los cuadros que veía pero intuía que sí apasionaron a quién los hizo. Intuía que aquello a que le llamaban Arte ayudaba a las personas a entender más la realidad de aquello que les preocupaba, les intrigaba o les gustaba.

Y yo necesitaba (y necesito) entender muchas cosas, cosas que no explican en los libros del cole, ni en las enciclopedias, ni en los libros de autoayuda, ni en los seminarios de psiquiatría, cosas de las que nadie habla ni quiere hablar en primera persona.

Mi percepción de la realidad estaba condicionada por una serie de acontecimientos en mi vida así que lo primero que debía hacer era comprender cómo me afectaron con la esperanza de poder deshacer todo aquello que me angustiaba. Necesitaba una especie de autoanálisis para conocerme a mí misma, poder comprenderme y así poder comprender lo que me rodea.

En un principio el lenguaje era muy confuso, metáforas que no entendería ni dios, rodeos que no me llevaban a ninguna parte... ¿Y porqué no mirar de frente al problema aunque me produzca dolor, porqué seguir escondiéndome detrás de una apariencia, porqué seguir hirviendo por dentro? Necesitaba destapar la olla antes de que reventara. Y no sabía hacerlo de otra forma que no fuera mediante el mundo del Arte. No quiero gritar, no quiero golpear, no quiero matar. Sólo quiero comprender.

Este cuadro representa un punto de inflexión en mi pensamiento. Me descosí para poder ver todas las piezas que me formaban encima de una mesa y, lo más importante, ya sin miedo ni vergüenza a que sean vistas por los demás.

Definición de Arte a día 27 de Octubre de 2009

2009-10-27T22:08:00.005+01:00

Es el conjunto de “huellas” que selecciona la humanidad durante el proceso que lleva a cabo desde siempre para entender su mundo abstracto, el de las ideas. El intento de explicar o simplemente cuestionar estas ideas han dado lugar a lo largo de nuestra historia una serie de “piezas” que posteriormente se han considerado obras de arte por contribuir a dar “un paso hacia delante” en nuestra comprensión de estas ideas (y convertirlas en conceptos).

Buf, tanta metáfora me da que estoy todavía en el mundo de las ideas.

Las cinco “obras de arte” que pondría:
Venus esteatopigia del Paleolítico.
Pantocrátor de Sant Climent de Taüll.
Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya.
Latas de sopa Campbell de Andy Warhol.
Chico malo de Eric Fischl.

He encontrado un libro en Google que reflexiona sobre la problemática para definir "Arte". El libro:
En teoría, es arte: una introducción a la estética. Sixto J. Castro.

En teoría, es arte: una introducción a la estética.

¿Dónde está la justicia cuando hemos sufrido abusos sexuales en la infancia?

2009-08-28T11:57:00.007+02:00

Estoy de acuerdo con que la justicia tiene que funcionar y tiene que actuar contra el agresor, y si se endurecen las condenas mejor que mejor. Pero creo que esto puede funcionar sólo cuando se detecta un caso de abusos en el momento que se están produciendo.

En la mayoría de estos casos (sobretodo los intrafamiliares) el problema es que no salen a la luz en el momento y es muy difícil demostrar posteriormente, que realmente sucedió (creo que tiene que ser mínimo el número de casos en los que se ha podido demostrar a los años de haber sucedido).

Y no creo que sea conveniente el condenar a alguien sólo porque otro diga que esa persona abusó de un niño sin tener ninguna prueba de ello (que incluso detectándolo a tiempo seguramente será muy difícil demostrarlo con pruebas físicas). Mucha gente se aprovecharía de ello y se condenaría a mucha gente inocente. Eso atentaría contra nuestra propia libertad. Y más hacia nosotros mismos, que mucha gente piensa que si hemos sufrido abusos en nuestra infancia muy probablemente nos convertiremos en agresores. A la más mínima, la gente nos condenaría por miedo.

Aunque nos cueste y nos duela reconocerlo, no se puede condenar a nadie sin unas mínimas pruebas. Así que por más que lo pienso, no creo que la justicia que podamos encontrar sea el meter a nuestro agresor en la cárcel (hablo de los casos en que sea imposible demostrarlo ante un juez). Tal vez con los años encontremos algún método para demostrarlo (tengo fe en la ciencia).

Creo que nosotros deberíamos unirnos para afrontar este tema desde otra perspectiva, la EDUCACIÓN de los que vienen. Y digo "de los que vienen" porque los que ya son mayores veo que es muy difícil cambiarles de parecer y, pensamientos como "la familia es sagrada haga lo que haga" es lo que más daño nos está haciendo y más arraigado tienen. Por eso no quiero gastar mis fuerzas buscando mi propia justicia cuando creo que puedo conseguir mucho más luchando por la educación de los que vienen.

En mi caso, todavía estoy luchando para quitarme ese rencor que les tengo por no haberme defendido en su momento y haberme silenciado cuando les dije que, hacía unos años, había sufrido abusos por parte de un hermano mayor. Sé que desde aquel momento no volvieron a mirar con los mismos ojos a mi hermano y tuvieron una dura lucha interior entre dos sentimientos de amor y odio hacia mi hermano pero no fueron capaces de hacer nada porque, simplemente, no tenían ni idea de qué hacer y prefirieron quedarse con la educación que habían recibido ("la familia haga lo que haga es sagrada" "los problemas familiares no hay que airearlos" "qué dirán los demás" "tenemos que aparentar ser una familia unida").

Les miro a los ojos y os aseguro que no son malas personas, simplemente no supieron qué hacer y su reacción fue la consecuencia de su ignorancia y de la educación que recibieron. Noto en ellos que me quieren, pero no saben demostrarlo como a mí me haría falta. Seguramente me hubiera bastado con que hubieran condenado ELLOS mismos al agresor repudiando su actitud, vigilándolo para que no lo volviera a hacer y, en el caso de enterarse de que lo seguía haciendo o hiciera a otra persona, no dudar en denunciar a su propio hijo o hermano. Aunque no se pudiera condenar judicialmente (por no poder demostrar los hechos) esa persona ya habría sido repudiada por su propia familia, que por lo menos ya es una condena, y ya habríamos conseguido que el silencio que tanto nos duele y nos condena a nosotros mismos desaparezca.

Por suerte y desgracia, mi hermano murió en un accidente dos años después de contarlo. Y digo suerte porque ello me evitó seguir conviviendo con mi agresor y ver como mi familia continuaba haciendo todo lo posible por aparentar que no había pasado nada. Esto me ha permitido respirar un poco más que a muchos de vosotros, que os ha tocado ver como, con vuestras vidas destrozadas, vuestros agresores continúan tan felices sin que nadie les condene (reconozco que eso debe ser muy difícil de llevar). Y digo desgracia por que se le agotaron a mi familia las posibilidades de expresar su repulsa hacia mi hermano para quedar en paz conmigo y con ellos mismos.

La situación en mi familia ahora es complicada. Mi madre siempre está enfadada por cualquier cosa, siempre está pendiente de nosotros sin dejarnos respirar y metiéndose en todo lo que hacemos y dejamos de hacer, sobretodo conmigo, lo que a mi me saca de mis casillas y siempre acabo discutiendo con ella. Y va a peor. Siempre a sido una persona con mucho carácter y no veo muchas posibilidades de que mejore (y en los milagros...)

Con mis hermanos (los otros dos que me quedan) tampoco me entiendo del todo.

Mi hermana no me dice nada, pero creo que me culpa de haber contado la historia de mis abusos, "dándole más problemas a mi madre" y haber roto la armonía familiar (que en realidad nunca la hubo). Y es que ella reacciona de una forma extraña ante todos los problemas de su vida y siempre lo ha hecho, no sólo con el mío. Prefiere callar, dejar que pase el tiempo, que nada tiene importancia y todo se pasa. Siempre quiere aparentar estar muy tranquila ante los problemas pero por dentro le están comiendo los nervios. Siempre ha padecido úlceras de estómago y enfermedades asociadas a estados de nerviosismo y va a peor. Ahora, cada vez que tiene algún problema le dan ataques de pancreatitis, lo que puede provocarle multitud de secuelas, incluso la muerte.

Y mi hermano. Él se enteró hace poco de lo que sucedió. Decidí contárselo cuando empecé a trabajar sobre mi infancia en la facultad. Tenía (y lo necesitaba) que hablar abiertamente de los abusos que sufrí de pequeña, con mis profesores y compañeros. Y pensé que no era justo que lo hiciera sin habérselo contado antes a él, y menos cuando él se siente (estúpidamente) culpable de la muerte de mi agresor. Su reacción fue de lo más extraña. Sin hablar en un principio de mi persona, no quiso oír nada sobre abusos sexuales. En realidad, siempre evita todo lo relacionado con el sufrimiento humano, le da miedo sus propias reacciones; con la sangre se marea, y con las noticias tristes no consigue llorar y le dan ataques de ansiedad. Cuando sospechó que se trataba de mí, enseguida reaccionó agresivamente contra todo aquel que me hubiera podido hacer daño, acusando sin sentido a todo el que le venía a la cabeza. Menos mal que estábamos solos y nadie estaba cerca. Cuando le conté que había sido nuestro hermano se quedó bloqueado. No sabía qué decir. Tanto se había culpado por haber descolgado aquel dichoso teléfono. Culpa por haberle pedido que fuera a su casa para pasar un rato juntos. Culpa por querer recuperar un tiempo que habían perdido. Culpable, de qué? Ahora, de qué?. Nunca ha reaccionado bien ante los problemas. Siempre se ha refugiado en su trabajo sin importarle echar todas las horas extras que hayan echo falta, y cuantas más mejor para no ver ni tener que afrontar el panorama que tenía en su vida íntima.

Y ahora como tengo yo que esperar a que reaccione? Pues seguramente que como hasta ahora, es la única forma en que él sabe hacerlo. Nadie le ha enseñado otra cosa.

Si nos miramos a nosotros mismos veremos que, muchas veces, no actuamos de la forma más correcta aunque ello nos conlleve a otro dolor. Y todo simplemente porque no sabemos, o lo que viene a ser lo mismo, porque NO HEMOS APRENDIDO OTRA COSA.

Por todo esto, creo que hay afrontar este tema (y esto serviría para casi todo en nuestra vida) desde la EDUCACIÓN. Pero quién se encarga de educar a nuestros hijos (y a nosotros mismos)? Qué es lo que les tenemos que enseñar? De qué forma? Con qué pautas? Quién las marca? Yo no soy la más indicada para responder estas preguntas pero sí para enunciarlas.

Un abrazo muy fuerte a todos... y a seguir buscando. Sin búsqueda estamos condenados a quedarnos esperando eternamente.

Los de Pixar haciendo de las suyas

2009-08-25T22:34:00.001+02:00

No he podido evitar colgar este video, a mi me ha encantado...

¿¡Y tú qué sabes!? dentro de la madriguera.

2009-08-07T12:13:00.003+02:00

Una película-documental sobre física cuántica. ¡Muy interesante!

http://video.google.es/videoplay?docid=-3187146284704693764&hl=es

El universo elegante

2009-07-29T18:16:00.011+02:00

"El universo elegante" es un documental en el que se habla de un posible Multiverso formado de universos paralelos (como un racimo de uvas conectadas, supongo que por los agujeros negros o de gusano) en los que habría (según dicen en el documental, lo afirman los físicos) 11 dimensiones y no 4 como conocemos. ¿Qué dimensiones son esas? ¿y cómo saben que pueden ser 11?

Es lo que afirma la incipiente teoría de cuerdas. En la física actual hay un gran problema, hay dos teorías; la relatividad general que describe muy bien cómo se comportan los objetos grandes (macroscopicos) y como funciona la gravedad, y la fisica cuántica, que describe muy bien cómo se comportan las partículas microscópicas (quarks, átomos, fotones..) y cómo se comportan el resto de fuerzas (electromagnética,nuclear fuerte, nuclear débil).

Pero cuando se intentan unir esas dos teorías no se puede, no hay forma de juntarlas, son por decirlo de alguna forma como el agua y el aceite... cada una describe una parte del universo pero es incapaz de describir la otra.

Aquí es donde entra la teoría de cuerdas que pretende juntar esas dos teorías en una teoría más básica que describa todo el universo. Después de muchos años de investigación la teoría de cuerdas está avanzando mucho y se están llegando a conclusiones como que nuestro universo tendría 11 dimensiones en vez de 4 (3 espaciales + 1 temporal).

¿Porqué no percibimos esas dimensiones "adicionales"? Actualmente se piensa que puede ser por dos causas:

Una es que están enrolladas sobre sí mismas y que son tan increíblemente pequeñas que somos incapaces de percibirlas, sólo las partículas subatómicas como los quarks podrían moverse en ellas. Imagínate una pajita (un cilindro) muy fina, si tú la ves desde lejos como es tan fina dirías que sólo tiene dos dimensiones (que es plana), pero si fueras un microbio y vivieras dentro de la pajita dirías que tiene 3.

La otra posibilidad es que estemos retenidos dentro de una brana tridimensional la cual está a su vez dentro de un universo multidimensional. Imagínate la tierra, su superficie, imagínate que es una esfera perfecta y que tiene solo 2 dimensiones y tú estás atrapado en esas dos dimensiones... puedes andar hacia delante y hacia los lados pero no para arriba o abajo, tampoco puedes ver o sentir nada más allá de esas dos dimensiones. Estarías atrapado en una brana 2dimensional la cual estaría dentro de un universo tridimensional. A ti te parecería que tu brana 2dimensional es infinita... puedes andar siempre y nunca se acaba, pero está bien delimitada dentro del universo de dimensiones superiores tal y como ocurre con la tierra.

Dentro de este universo multidimensional habría más branas aparte de la nuestra las cuales podrían contener universos como el nuestro o muy diferentes. Se piensa también que el bigbang podría haber ocurrido por el choque entre dos branas antiguas lo cual desencadenó el cataclismo y la formación de nuestro universobrana.

Todo esto es teoría, no se ha podido demostrar nada y se ve difícil, por no decir imposible, demostrar estas ideas... ¿qué clase de experimento podría demostrar eso?

Todas estas ideas surgen de las ecuaciones y matemáticamente ésta es una teoría muy consistente, que es capaz de unir la relatividad y la fisica cuántica, pero para lograrlo necesita un modelo de universo que a primera vista nos parece un poco extraño.

[2] Universo elegante - 1 - El sueño de Einstein

[3] Universo elegante - 1 - El sueño de Einstein

4] Universo elegante - 1 - El sueño de Einstein

[2] Universo elegante - 2 - La clave está en la...

[3] Universo elegante - 2 - La clave está en la...

[4] Universo elegante - 2 - La clave está en la...

[5] Universo elegante - 2 - La clave está en la...

[2] Universo elegante - 3 - Bienvenido a la 11...

[3] Universo elegante - 3 - Bienvenido a la 11...

[4] Universo elegante - 3 - Bienvenido a la 11...

[5] Universo elegante - 3 - Bienvenido a la 11...

Universo de Hawking - En el lado oscuro

2009-07-29T17:43:00.010+02:00

Para todos los amantes de la astronomía ahí va el primer capítulo de una serie que no os dejará indiferentes.Os pongo el primer enlace de Youtube:

Cuando acabe y para continuar viendo el capítulo buscar en Youtube:

[2] Universo de Hawking - 1 - Ver para creer

[3] Universo de Hawking - 1 - Ver para creer

...y así sucesivamente.

Y la serie continúa con:

[1] Universo de Hawking - 2 - Los orígenes

[1] Universo de Hawking - 3 - Alquimia cósmica

[1] Universo de Hawking - 4 - Agujeros negros

[1] Universo de Hawking - 5 - En el lado oscuro

[1] Universo de Hawking - 6 - Una respuesta para todo

La teta asustada

2009-07-28T18:13:00.005+02:00

Mi amiga Nora me recomendó hace un tiempo esta película, qué bien me conoce!

Poéticamente Incorrecto

2009-07-09T17:42:00.007+02:00

Este es el título de la exposición que hemos organizado los alumnos de dibujo III. Estará en el centro municipal de Arte Joven Rey Chico (cuesta de los chinos, al final del Paseo de los Tristes) desde el pasado 1 hasta el 31 de julio. Espero que os guste. Para los que no podáis asistir os pongo un enlace del ideal dónde hay fotos de todas las obras.

http://www.ideal.es/granada/multimedia/fotos/muestra-chico-38977.html

Y mi jaula de caracoles... titulada "Nº67, Esc. A, Ático 1ª"

Obra final en el proyecto personal 08-09

2009-06-20T18:01:00.000+02:00

La videocreación, imágenes en movimiento que me aportan el factor tiempo. A veces se hace difícil expresar con una sola imagen lo que se consigue con un movimiento por muy simple que sea éste.

Aunque el sonido me parece el factor más importante de todos. Aunque simplemente se oiga una puerta que se cierra, porque no todas las puertas son iguales ni se cierran de la misma forma. El sonido invade nuestro cuerpo sin preguntar, nos penetra, sus ondas parecen tocar hasta la última de nuestras células. Y todo ello sin que nosotros podamos impedirlo. Una imagen la vemos si queremos, nosotros decidimos si enfocamos hacia ella o miramos hacia otro lado. Pero el sonido es más fuerte que nosotros, nos recuerda que somos débiles, que ante él no tenemos opción de “oír hacia otro lado”.

Y aquí me vuelvo con agresividad hacia el espectador y le muestro lo que no quiere ver, le penetro sin preguntar. Aquí soy yo la agresora y el espectador la víctima. Sin necesidad de utilizar pinzas para sujetar sus ojos como en la película “La naranja mecánica”. Sólo con el sutil poder del sonido, que no es poco.

Obra final: Instalación de dos altavoces colocados en una zona de paso como puede ser un pasillo. Cada uno situado a un lado de éste y a la altura de la cabeza (aprox. 1,60m de altura). En uno se emite el sonido de un bebé quejándose, en el otro, el sonido de un hombre masturbándose. Estos sonidos interactúan el uno sobre el otro mientras nadie se sitúa entre ellos. Cuando el espectador pasa y durante el tiempo en el que permanece entre ambos altavoces, estos sonidos van a parar en el espectador e interactúan dentro de él. El espectador se convierte en un filtro entre ambos sonidos. Este filtro será más o menos denso (permitiendo o no la interconexión entre ambos sonidos) dependiendo de la posición que adopte el espectador ante este estímulo.

"Canción nº 1"

2009-06-19T19:52:00.009+02:00

2009-06-16T23:29:00.002+02:00

Cuando reflexionemos sobre nuestro siglo XX, no nos parecerán lo más grave las fechorías de los malvados, sino el escandaloso silencio de las buenas personas.
MARTIN LUTHER KING

2009-06-16T23:15:00.001+02:00

"En la tierra hay suficiente para satisfacer las necesidades de todos, pero no tanto como para satisfacer la avaricia de algunos"
Mahatma Gandhi.

Escaleras

2009-06-14T20:23:00.004+02:00

Último trabajo de clase

2009-06-14T20:19:00.001+02:00

Ceras Manley y acrílico.

Fotografía como medio plástico

2009-06-10T16:20:00.007+02:00

"Entretules"

Esta serie fotográfica y el vídeo "Infancias Rotas" serán expuestos a partir del próximo miércoles 17 de Junio en el crucero del Hospital Real. ¡Con Mención de Honor y todo!

¡Espero que os guste!

Contador de muertes

2009-05-27T13:46:00.004+02:00

El 'Contador de muerte' es la obra que el artista español Santiago Sierra ha instalado en la fachada de una de las principales aseguradoras de Londres y que desde el primero de enero cuenta los fallecimientos que se producen en el mundo.

Santiago Sierra lo exhibe en Londres y registrará las muertes en el mundo en 2009. En promedio, dos por segundo.

Sierra ha ideado un contador LED -un diodo emisor de luz- que registrará el número total de personas muertas en todo el mundo por cualquier causa durante 2009.
El contador se ha dado en préstamo a la aseguradora británica Hiscox a cambio de un seguro de vida de 208.773 dólares, pagaderos en caso de la muerte del artista durante el periodo de la exhibición.
Según informó Electra, la agencia de arte que ha comisariado la iniciativa, la obra de Sierra "es un recordatorio de la naturaleza transitoria tanto de la vida humana como del dinero en el corazón del distrito financiero de Londres".
El trabajo explora el concepto de valor en relación con la vida humana y el arte, y quiere llamar la atención sobre cómo se establece el valor de los objetos y cómo se incrementa el precio de una obra artística cuando fallece su autor.
La cuenta se realiza a partir de una proyección demográfica elaborada por el servicio del censo de Estados Unidos, que en la actualidad calcula que cada año mueren en el mundo 55 millones de personas, a un ritmo de casi dos personas por segundo.
EFE Elespectador.com

Espero que Einstein nos inspire a todos

2009-05-25T20:20:00.004+02:00

"No pretendamos que las cosas cambien, si siempre hacemos lo mismo.
La crisis es la mejor bendición que puede sucederle a personas y países, porque la crisis trae progresos. La creatividad nace de la angustia como el día nace de la noche oscura. Es en la crisis que nace la inventiva, los descubrimientos y las grandes estrategias. Quien supera la crisis se supera a sí mismo sin quedar 'superado'.

Quien atribuye a la crisis sus fracasos y penurias, violenta su propio talento y respeta más a los problemas que a las soluciones. La verdadera crisis, es la crisis de la incompetencia. El inconveniente de las personas y los países es la pereza para encontrar las salidas y soluciones. Sin crisis no hay desafíos, sin desafíos la vida es una rutina, una lenta agonía. Sin crisis no hay méritos. Es en la crisis donde aflora lo mejor de cada uno, porque sin crisis todo viento es caricia. Hablar de crisis es promoverla, y callar en la crisis es
exaltar el conformismo. En vez de esto, trabajemos duro. Acabemos de una vez con la única crisis amenazadora, que es la tragedia de no querer luchar por superarla." Albert Einstein.

Tríptico A.S.I.

2009-05-25T20:02:00.008+02:00

Aprovechando que debía hacer un tríptico para la asignatura de dibujo editorial...

Trabajos de clase 2

2009-05-25T19:20:00.005+02:00

Ceras Manley y acrílico.

Acrílico y ceras Manley.

Trabajos de clase

2009-05-25T19:10:00.005+02:00

Temple y óleo.

Tinta china y tiza blanca.

Playing For Change: Song Around the World "Stand By Me"

2009-05-24T19:31:00.007+02:00

Un vídeo que me ha emocionado. Buscando artistas callejeros mirad lo que he encontrado!! Merece la pena que le dediques cinco minutillos. No te arrepentirás.

Trabajos en gouache

2009-05-24T18:30:00.003+02:00

Un silencio.

2009-04-20T21:21:00.008+02:00

85x65 Telas, hilo, guata, madera (y tijeras).

Un amor egoísta el de Morell

2009-04-16T19:23:00.008+02:00

Una costura rota

2009-04-16T18:51:00.005+02:00

"Un corte en la tela, una herida por la cual se vacía el cojín poco a poco... y se arrincona porque ya no es tan blando como antes...

El cojín tan sólo necesita que cosas a tiempo con tu hilo de palabras la herida que se infecta. Y no olvides utilizar ese mismo hilo con la tijera que le cortó, pues seguramente seguirá afilada."

Telas, hilo, guata, madera (y tijeras).

El camino de espinos

2009-04-05T11:10:00.003+02:00

"[...]Porque no es fácil decidir, porque cualquier elección nos procurará dolor: si nos aventuramos, sufriremos por la vida que dejamos atrás, porque la aventura requiere renuncia generalmente de cosas buenas, y nos asusta sopesar el paso que pretendemos dar hacia adelante. Pero si de antemano renunciamos, también sufriremos. Siempre nos angustiará la perspectiva de un mundo distinto; y si las circunstancias no son favorables nos volveremos seres resentidos por no haber adoptado la decisión que más nos convenía. Así que todos nosotros [...] deambulamos desesperados por encontrar el camino correcto. Pero tal camino no existe, sólo es una senda sembrada de espinos. Si queremos amar debemos asumir riesgos, aunque estos comporten un fracaso. Pero la otra alternativa es peor aún, si permanecemos quietos, ya hemos fracasado."

Luis Asenjo

Infancias rotas

2009-04-01T21:56:00.008+02:00

Para ver el vídeo subid el sonido, el sonido dice muchas cosas.

Después de divagar mucho sobre el lenguaje que iba a utilizar me decidí por hablar claro, que se entienda perfectamente por todos los públicos, pues va dirigido a ellos. No es una reflexión estética ni nada por el estilo. Es un grito al cielo, una reclamación a la sociedad, que tanta falta hace que reflexione.

Es muy sencillo hablar cuando pasa a terceros, pero una pregunta al aire. ¿Sabéis cómo reaccionaríais si un herman@, hij@ o familiar muy cercano a vosotros os dijera que otro familiar tan cercano como ellos está o ha estado abusando de el@?

Parece fácil pero a la hora de la verdad afectan más factores de lo que creemos.

Si no fueran tan habituales estos casos, si no se silenciaran en tantas ocasiones por la propia familia, si... tal vez no haría falta que os dijera esto.

Os recuerdo los números: 1 de cada 4 mujeres y 1 de cada 7 hombres lo han sufrido en sus propias carnes. El 86% fue silenciado por la propia familia. Creo que eso lo dice todo.

Documental Tv " Infancia rota"

2009-03-30T13:08:00.004+02:00

Aquí os dejo un enlace a un documental que me gustaría que vierais.

http://video.google.com/videoplay?docid=-6559759267654538612

Romper con el silencio

2009-03-30T12:22:00.006+02:00

Es difícil mirarse al espejo cuando existe tanta oscuridad. He necesitado aclarar mucho la voz para poder hablar. Mi garganta estaba ya seca, se había silenciado durante demasiado tiempo.
Pero nunca más permitiré a nadie decir “no se lo digas a nadie”. NO, porque ese silencio te hace culpable sin serlo, te humilla más si cabe, te ahoga en tus pensamientos, pensamientos que normalmente te llevan a la autodestrucción. NO porque yo no soy culpable de nada. Si acaso lo eres tú, sociedad remilgada e hipócrita, que prefiere condenar a la víctima a un eterno silencio antes de estar en boca de los demás. Aún viendo como sufre y se ahoga en sus propios vómitos prefieres callar, prefieres taparlo con tu manta de hipocresía. Y te crees mejor por actuar así, por “no crear más problemas”. Y no te das cuenta que consigues lo contrario. Conviertes el silencio, tu silencio, en pólvora dentro de tan pequeño cuerpo. Sólo te pido que te mires en el espejo, y veas en lo que te has convertido.

Hablemos de números (parece ser la única forma de entendernos).

1 DE CADA 4 MUJERES Y 1 DE CADA 7 HOMBRES HAN SUFRIDO ABUSOS SEXUALES ANTES DE CUMPLIR LOS 17 AÑOS.

EL 86% DE LOS CASOS SON SILENCIADOS POR SER COMETIDOS POR ALGÚN MIEMBRO DE LA PROPIA FAMILIA.

Puedes hacer un cálculo de los que somos.

En España el 55,8 % de los casos ocurrieron una sola vez, pero el 44,2 % se repitieron entre 1 y 25 veces, aumentando con ello la posibilidad de que se agravaran sus efectos sobre el niño/a abusado.

Sus consecuencias inmediatas pueden ser físicas (pesadillas, cambios de hábitos de comida) y emocionales (miedo, agresividad, aislamiento). A largo plazo, algunas de las secuelas más importantes que puede acabar desarrollando la víctima van desde la anorexia, depresión, psicosis y prostitución, hasta la drogadicción, autolesiones, e incluso el suicidio. Aunque el abuso sexual infantil no es un fenómeno reciente, en los últimos años se están registrando algunas nuevas tendencias muy preocupantes. Existen indicios de un incremento de los abusos cometidos por jóvenes y adolescentes, y algunas investigaciones afirman que el 20 % de las violaciones son realizadas por menores de edad.

¿Qué más tengo que mostrarte para que hagas algo, para que hables, para que ROMPAS EL SILENCIO que tanto daño nos hace?

Puede que esté frente un muro pero os prometo, me prometo, que no pararé hasta derribarlo. No tengo nada que perder, ya estuve muerta una vez.

Algunos trabajos anteriores

2008-11-12T16:03:00.004+01:00

2008-11-12T15:48:00.004+01:00

Hace un tiempo dejé de intentar ser justa con la realidad cuando dibujo. Intentaba ser objetiva, correcta, términos que no tienen nada que ver con la realidad, puesto que mis ojos ya de por sí son como una vidriera que actúa de filtro entre la realidad y yo. Me he reconciliado conmigo misma, ya no me escondo bajo la corrección. Yo soy yo, con mi subjetividad, mi forma de ver, mis circunstancias que así me han hecho y todo lo que me conforma; instintos, pasiones, obsesiones, recuerdos…ya sea para “bien” o para “mal” es la materia de la que me nutro cada día y no puedo salir de ella, así que me rindo a sus pies, ordeno la estancia y hago de ella un confortable hogar.

2008-11-03T23:40:00.004+01:00

...y es que necesito comprender el porqué de muchas cosas, aunque, por otro lado, sé que no tienen porqué tener una explicación lógica. Pero a veces siento la necesidad de entender, de poner orden, de simplificar la vida a una complicada pero efectiva fórmula matemática. Otras veces, sin embargo, cuando siento que me muevo por el mundo dejándome llevar, los hechos me hacen pensar que realmente esa fórmula existe y lo único que tengo que hacer es conseguir la forma de mantenerme de pie sobre esa brisa que me lleva.

mi primera vez

2008-11-03T20:25:00.001+01:00

... y llegó el día en que me hago de mi propio blog. Emoción de la primeriza...
Me he propuesto aprovechar este espacio virtual para construir un armario donde guardar mis pensamientos, inquietudes, intenciones, recuerdos... con el propósito de ordenar todo ello (de vez en cuando va bien reordenar los armarios) y darle forma, un sentido, aunque tal vez no tenga porqué tenerlo.
Para empezar me presentaré como alguien que ha pasado la vida observando; las imágenes de los libros, las manos de alguien pelando patatas, un perro durmiendo en la calle, los reflejos en una televisión apagada... Siempre enmarcando imágenes en mi cabeza en un intento de memorizarlas creando así mi propio álbum familiar.
Y sigo observando...